Eduardo Carrillo es, ante todo, un narrador de historias. Sus pinturas nos hablan de la tierra de su abuela, en Baja California, una parte de la herencia mexicana de Carrillo. Su obra nos habla de historia, mitología y espiritualidad, y de su profunda relación que siente por la historia de la pintura europea y mexicana. Las pinturas de Carrillo son narraciones de la cooperación y resistencia humana, de trabajadores y amantes, de familia y amigos. Un artista chicano, Eduardo Carrillo, que tenía una perspectiva bicultural. Amaba la pintura europea, sin embargo, creó un mural de cerámica de cuarenta y cuatro pies de largo en Los Ángeles llamado "El Grito", que conmemora la revuelta de México contra España en 1810.

 

Eduardo Carrillo nació en 1937 en Santa Mónica, California, y murió en 1997 en San Ignacio, Baja California. Creció en Los Ángeles y asistió a la universidad de la comunidad (Los Angeles City College) antes de asistir a la Universidad de California en Los Ángeles. Allí estudió arte con William Brice y obtuvo la licenciatura en Artes y la maestría en Artes en 1962 y 1964, respectivamente. Después de estudiar en la UCLA, Eduardo viajó a España para estudiar y pintar de los maestros en el Museo del Prado. Carrillo hizo una copia de la pintura de Hieronymus Bosch, utilizando la técnica tradicional de esmaltes óleo sobre tabla de madera. El excéntrico pintor renacentista del Norte tuvo una influencia en la elección de Carrillo de materiales y en su imaginación. Poco después, las pinturas de Carrillo se exhibían “Ceeje Gallery” en Los Ángeles. A través de la galería, Eduardo se encontró con otros artistas que se convertirían en algunos de los artistas más conocidos en Los Ángeles, así como amigos de toda la vida. Sus pinturas de la década de 1960 muestran la influencia de los maestros españoles: Velázquez, Sánchez Cotán y Zurbarán. Perfeccionó una especie de realismo mágico en estas pinturas de naturalezas muertas, paisajes y cuartos vacíos.

 

En 1966, Carrillo fundó El Centro de Arte Regional en La Paz, Baja California. Se mudó con su familia a vivir a Baja California, y comenzó una escuela para enseñar pintura, tejidos y cerámica, para el restablecimiento de la artesanía tradicional de la zona. Profundizó sus vínculos con la tierra donde nació su abuela, e hizo amistad con las personas que fueron a servir como modelos para sus cuadros durante décadas. El estilo de Carrillo evolucionó y empezó a pintar la figura humana más y más. En 1972, se unió a la facultad de arte de la Universidad de California en Santa Cruz, donde fue profesor hasta su muerte en 1997.

 

Leer las historias en las pinturas de Carrillo requiere del espectador a ir y venir entre los símbolos de la cultura indígena mexicana, las referencias de la cultura europea, y la historia personal de Carrillo. Por ejemplo, "Reaching for Coatlique" representa a un hombre contemporáneo alcanzado por una mujer con una falda de serpientes retorciéndose, con los hombros cubiertos por una serpiente. En la mitología azteca, Coatlicue, cuyo nombre significa "falda de serpientes", fue la madre del sol, la luna y las estrellas, la madre tierra, la que fue la fuente de toda vida en la tierra, y el que lleva a los muertos en su cuerpo. Otra obra importante, "Cabin In The Sky", hace una fuerte declaración política sobre la historia del pueblo mexicano. Representa un paisaje maravillosamente imaginario rendido, y "la cabina en el cielo" es un templo griego que flota sobre una plataforma de tierra arrasada en un desierto. El primer plano de la pintura parece ser un espacio ceremonial, semejante a un altar. El historiador de arte Sybil Venegas, profesor de historia del arte en el “East Los Angeles College”, comenta [...] "la teoría del arte chicano se ha basado en el discurso de la memoria cultural, la resurrección de la historia, la identidad y la lucha. Las afirmaciones de un pasado cultural se presentan a menudo en las formas de arte sacra de los altares, milagros, nichos, cajas, iconos antiguos de Mesoamérica, las instalaciones de la narrativa y lo que realmente implica la visualización de una búsqueda espiritual de la identidad de una población colonizada".(1) Uno se pregunta si "Cabin In The Sky" es una imagen de Aztlán destruida por los conquistadores.

 

El Movimiento de Arte Chicano tenía sus raíces en el activismo social de la década de 1960. El movimiento de derechos civiles, así como el movimiento de las mujeres retó a la sociedad estadounidense a reconocer la legitimidad de la gente que había vivido normalmente en los márgenes políticos y económicos de la sociedad. Fue un movimiento literario, teatral, artístico y político dedicado a explorar temas culturales indígenas y protesta política. La actividad de Eduardo Carrillo en La Paz, y su mural denominado El Grito, terminado en 1979 para la ciudad de Los Ángeles, es un mural de baldosas de cerámica de 44 pies, en la Placita Dolores en Los Ángeles, que representa al Padre Miguel Hidalgo y Costilla, sacerdote mexicano, comandando un ejército en la lucha por la independencia contra España en 1810. El grito de Hidalgo, fue un llamado para la abolición de la esclavitud del pueblo mexicano.(2)

 

Lo que hace que el punto de vista de Carrillo sea diferente de la postura de muchos otros pintores chicanos, artistas que aparecen en " “Chicano Visions: American Painters On The Verge”,(3) es que las pinturas de Carrillo tienden a referirse a la historia, la religión y la mitología en lugar de la vida de la calle. La cultura popular no hizo una aparición importante en su arte. No pintó las imágenes del barrio, de los hombres con trajes estilo “Zoot”, las redadas de la policía o cultura del automóvil. Sus pinturas tampoco contienen referencias explícitas a los líderes políticos como Dolores Huerta o César Chávez. Las pinturas de Eduardo son también sobre la historia de la pintura. Tomó los temas universales: religión, muerte, amor e identidad y los hizo personales.

 

Mientras que Carrillo continuaba estudiando la materia chicana en su obra, también hizo pinturas de paisajes íntimos y personales, naturaleza muerta y retratos. Sus acuarelas, pintadas constantemente y la observación directa de la vida cotidiana, representan una visión diaria de la luz, la vida y los tiempos de Eduardo. Ellos existen por sí mismos y nos dan una idea de cómo se conduce el artista para conectarse a la poesía de lo cotidiano. Algunos de los retratos más conmovedores figuran en este grupo de pinturas de acuarela. Las acuarelas de Carrillo y sus pinturas de paisajes muestran la influencia de Bonnard y Vuillard. Los azules y los rojos saturados en los paisajes marinos son reminiscencias de los “fauves” franceses.

 

La segunda esposa de Carrillo, Alison, le proporciona a Eduardo el amor y el apoyo que hizo que su trabajo, durante finales de los 80´s y 90´s, fuera tan vibrante. Ella describe su vida en común y la rutina de pintura de Carrillo en la entrevista de una exposición de catálogo. Aunque Eduardo murió demasiado pronto, a los sesenta años de edad, su tiempo era rico. Sus pinturas y murales perduran, y su influencia se sigue sintiendo en su familia, amigos, estudiantes, colegas, y la comunidad en general. Este octubre, el recientemente ampliado Museo de Arte Crocker en Sacramento está dedicando una galería a la obra de Eduardo Carrillo.

 

Me gustaría dar las gracias a Alison Carrillo por su generosidad en prestar el arte que hizo posible esta exposición; Juliette Carrillo por el préstamo de “Reaching For Coatlicue”; Helaine Glick del Museo de Arte de Monterrey por el préstamo de "La pareja en el jardín"; José Chowning por el préstamo de "Jacobo y tío Beto". A Betsy Andersen, del Museo Eduardo Carrillo, cuya ayuda fue fundamental para la exposición. Por las horas incansables de instalación y la iluminación de la exposición, muchas gracias a Michael McGinnis, especialistas en exhibiciones. Gracias a Stephanie Sánchez, amiga y colega de Eduardo y director de la Galería de Arte, que contactó a Alison Carrillo con nuestra idea de exhibición y ayudó en todas las fases de la exposición. Nuestro agradecimiento a la Fundación de Enriquecimiento Cultural Randolph Newman de SRJC, por la ayuda que hizo posible la impresión de materiales para la exhibición. A nuestro Decano, Tyra Benoit, un gran agradecimiento por el aliento y el apoyo que dio a esta empresa.